terça-feira, 13 de fevereiro de 2018

SEMIRAMIDE, Royal Opera House, Londres / London, Dezembro / December 2017



 (review in English below)

A opera Semiramide de G Rossini foi apresentada numa nova produção de David Alden na Royal Opera House de Londres em Novembro de 2017.


No templo de Baal o padre Oroe é informado que os babilónios e outros povos esperam que a rainha Semiramide, viúva do rei Nino, anuncie o nome do sucessor do trono, com quem se casará. Idreno, um príncipe indiano é um dos candidatos e Assur é outro, que sempre foi leal a Semiramide ao longo dos anos. Contudo, ela adia a decisão porque espera um jovem comandante das suas forças, Arsace. Este chega, está apaixonado pela princesa Azema que também o ama desde que foi salva por ele. Contudo, Assur e o Idreno são dois rivais dado que ambos querem também casar com Azema. Oroe informa Arsace que o rei Nino foi traído e assassinado. Semiramide reune todos em volta do túmulo do rei Nino e anuncia que se casará com Arsace que será o próximo rei e que Idreno se casará com Azema. Há uma tempestade, o túmulo abre-se e ouve-se a voz do rei dizer que Arsace será rei mas antes terá que ser vingado um crime que foi cometido.
Semiramide e Assur recriminam-se mutuamente pela morte do rei em que ambos participaram. Oroe revela a Arsace a sua verdadeira identidade, Ninia, filho do Rei Nino e de Semiramide e dá-lhe a espada que fora de Nino para se vingar. Arsace revela a Semiramide que é seu filho e perdoa-lhe o crime que ela cometeu. Dirige-se ao túmulo de Nino para matar Assur, mas na escuridão acaba por apunhalar Semiramide, que morre. Oroe evita que se mate e o povo aclama-o como novo rei da Babilónia.


A encenação procura representar um país ditatorial actual, com o culto da personalidade do líder, que todos veneram, lêem e obedecem cegamente. A ópera inicia-se com uma enorme estátua do líder morto no centro (de que inicialmente só se vê a metade inferior). Nos grandes painéis laterias e posterior aparecem fotografias do líder (de óculos escuros) isolado, com a mulher ou com a mulher e o filho em criança. O líder é Nino, ex-marido de Semiramide assassinado por ela em conluio com Assur e a criança é o filho de ambos, que desaparece e é dado como presumivelmente morto, mas regressa como Arsace, um comandante vitorioso por quem Semiramide se apaixona e com quem quer casar. A figura da criança, com um cavalo de peluche, está frequentemente presente. O chão, os painéis e o próprio palco por vezes estão cobertos por telas ou cortinas com desenhos de padrões islâmicos e os trajos dos elementos do coro, os masculinos com grandes turbantes e os femininos com a cabeça coberta, são também muito sugestivos.
Aparece um enorme lustre como nas grandes salas onde se reúnem os comités dos partidos comunistas ditatoriais e os painéis são dinâmicos, permitindo uma encenação original e interessante.



A direcção musical foi do maestro Christopher Willis.


No papel principal, Semiramide, a mezzo Joyce DiDonato foi arrasadora! É uma cantora que muito aprecio e, mais uma vez, esteve no seu melhor. Tem uma voz magnífica e é uma cantora rossiniana por excelência. Abordou a partitura com elegância, desenvoltura, sentimento e mostrou uma coloratura invejável. Em palco tem sempre uma presença electrizante.




Também ao mais alto nível esteve a mezzo Daniela Barcellona como Arsace, o comandante guerreiro por quem Semiramide se apaixona e quer casar mas que é, afinal, o seu filho desaparecido. A voz é também muito poderosa, melodiosa e afinada. Nos duetos com a DiDonato, as duas foram fabulosas.



Outra voz de topo foi a do tenor Lawrence Brownlee que interpretou o príncipe indiano Idreno. Teve uma excelente presença cénica, muito bem caracterizado e a voz é de invulgar beleza, de tenor lírico com agudos abertos e luminosos.



O príncipe Assur, cúmplice de Semiramide no assassinato do marido e pretendente ao trono, foi interpretado pelo baixo Mirco Palazzi. Foi mais uma boa interpretação, tanto cénica como vocal.



Nos papéis secundários outro baixo de voz imponente foi Bálint Szabó que interpretou o padre Oroe. A soprano Jacquelyn Stucker como Azema, Konu Kim como Mitrane e a voz de Simon Shibambu, como espírito do rei Nino assassinado completaram o elenco.



Um espectáculo notável!








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SEMIRAMIDE, Royal Opera House, December 2017

G Rossini's opera Semiramide was staged in a new production by David Alden at the Royal Opera House in London in November 2017.

In the temple of Baal the high priest Oroe is informed that the Babylonians and other peoples expect that the queen Semiramide, widow of the king Nino, announces the name of the successor of the throne, with whom she will marry. Idreno, an Indian prince, is one of the candidates, and Assur is another, who has always been loyal to Semiramide over the years. However, she postpones the decision because she expects a young commander of her forces, Arsace. He arrives, is in love with the princess Azema who also loves him since he saved her in the past. However, Assur and Idreno are two rivals since both also want to marry Azema. Oroe tells Arsace that King Nino was betrayed and murdered. Semiramide reunites all around the tomb of king Nino and announces that she will marry Arsace that will become the next king, and that Idreno will marry Azema. There is a storm, the tomb opens and the king's voice is heard to say that Arsace will be king but beforehand a crime that has been committed will have to be avenged.
Semiramide and Assur reproach each other for the death of the king in which both participated. Oroe reveals to Arsace his true identity, Ninia, son of King Nino and of Semiramide and gives him the Nino’s sword to take revenge. Arsace reveals to Semiramide that he is her son and forgives the crime she committed. He goes to the tomb of Nino to kill Assur, but in the darkness he ends up stabbing Semiramide, who dies. Oroe avoids that he kills himself and the people acclaim him as the new king of Babylon.

The staging seeks to represent a current dictatorial country, with the cult of the leader's personality, which everyone venerates, reads and obeys blindly. The opera begins with a huge statue of the dead leader in the centre (from which only the lower half is initially seen). On the large side and back panels appear photographs of the leader (of dark glasses) alone, with his wife, and with his wife and son as a child. The leader is Nino, Semiramide's ex-husband assassinated by her in collusion with Assur and the child is their son, who disappeared and was given as presumably dead, but returns as Arsace, a victorious commander whom Semiramide falls in love with and wants to marry. The figure of the child, with a stuffed horse, is often present on stage. The floors, panels, and the stage itself are covered with screens or curtains with Islamic patterns, and the choral elements, male with large turbans and female heads with covered heads, are also very suggestive.
The panels are dynamic, a very suggestive chandelier appears similar to the ones in large rooms where the committees of the current dictatorial communist parties meet, and the stage is very dynamic, allowing an original and interesting staging.

The musical direction was by maestro Christopher Willis.

In the lead role, Semiramide, mezzo Joyce DiDonato was fabulous! She is a singer who I really appreciate and, once again, she was at her best. She has a magnificent voice and is a Rossinian singer by excellence. She approached the score with elegance, resourcefulness, emotion and showed an enviable coloratura. On stage she has always an electrifying presence.

Also at the top level was mezzo Daniela Barcellona as Arsace, the warrior commander for whom Semiramide falls in love and wants to marry but that is, after all, his missing son. The voice is also very powerful, melodious and in tune. In the duets with DiDonato, the two were fantastic.

Another top voice was that of  tenor Lawrence Brownlee who played the Indian prince Idreno. He has an excellent stage presence, very well characterized and the voice is of unusual beauty, of lyrical tenor with open and luminous top notes.

Prince Assur, accomplices of Semiramide in the murder of her husband and pretending to the throne, was interpreted by the bass Mirco Palazzi. It was another good interpretation, both vocal and on stage.

In the secondary roles there was another imposing bass, Bálint Szabó who played high priest Oroe. Soprano Jacquelyn Stucker as Azema, Konu Kim as Mitrane, and the voice of Simon Shibambu as the ghost of the murdered King Nino completed the cast.

A remarkable performance!


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terça-feira, 6 de fevereiro de 2018

ELEKTRA de Richard Strauss — TNSC/CCB, 4.02.2018


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(Review in English below)

O Teatro Nacional de São Carlos em colaboração com o Centro Cultural de Belém trouxe à cena uma nova produção da ópera Elektra de Richard Strauss.

Foi estreada em Dresden em 1909, quatro anos volvidos da estreia da polémica ópera Salomé. O libreto de Hugo von Hofmannsthal é mais uma de muitas e brilhantes colaborações entre o libretista e o compositor. 

A história passa-se em Micenas na Grécia Antiga. Elektra, personagem principal, vive dilacerada pela morte do pai Agamemnon, morto pelas mãos de Klytamnestra e do seu amante Aegisth. O seu ódio é tal que vive na esperança de que o seu irmão Orest regresse para os assassinar. Está transformada, totalmente despida do seu eu que se funde no do pai morto. Não é nada além de ódio e vingança. E são esses ódio e desejo de vingança o motor para toda a ação. Em contraste, Chrysothemis, sua irmã, tem um forte desejo de viver e de cumprir o seu destino de mulher, esforçando-se por não se anular. Mais tarde, regressado Orest e assassinada a mãe e o amante, Elektra pode finalmente ser feliz e dançar, num ritual de autodestruição, com a morte que acaba por levá-la.

Muito poderá ser escrito sobre a interpretação psicológica das personagens, nomeadamente à luz das teorias freudianas que despontavam na época em que Elektra foi composta e que, indubitavelmente, influenciaram o libretista e o compositor. Mas tal reflexão far-nos-ia dedicar um tempo que, por ora, não dispomos.

Como é sabido, musicalmente é uma ópera de rotura, muito exigente para a orquestra que deve saber expressar os múltiplos cromatismos da partitura. E é-o igualmente exigente para os cantores, com natural destaque para Elektra, omnipresente em cena.

www.sapo.pt

Começando pela encenação. Ficou a cargo de Nicola Raab. Nem é bem uma encenação, mas uma tentativa de dar cena a uma ópera em versão de concerto que podemos resumir como desinteressante e estática. Não consigo elogiá-la e é-me difícil encontrar-lhe um sentido, ou algo inovador. É certo que há pouco recursos financeiros, mas tal não pode ser desculpa.


Passando à sua descrição. Tem um painel dourado ao fundo e centro do palco. Nele há uma porta que se abre e fecha ao longo do ato único da obra. Ao centro e em frente da porta, um quadrado em madeira ligeiramente elevado sobre o palco. É nele que, do início ao fim, se encontra Elektra. Ela vai-se movimentando, ora no chão, ora de pé. Há uma cadeira com os sapatos de Elektra por baixo, sapatos nunca usados de nenhuma forma. O quadrado funciona como mundo interior de Elektra. Nele nada nem ninguém entra, com excepção de Chrysothemis — mas apenas quando Elektra a chama para tomarem conta dos assassinatos de Klytamnestra e Aegisth, sendo daí expulsa por se recusar a colaborar — e Orest, irmão que funciona como o seu salvador. Também há uma outra transgressão: quando Elektra pergunta à mãe se Orest pode regressar, estende-lhe os braços e deita a cabeça sobre o seu colo, sem que, contudo, se deixe invadir ou se deixe evadir do seu angustiante mundo interior. Com esta, além da ambivalência, parece haver uma relação quase de fusão: quando a mãe chega para lhe falar dos sonhos, Elektra contrai-se dolorosamente sobre si, pondo as mãos nos genitais; quando mais tarde a mãe é assassinada, parece ser aí que sente novamente uma dor. Quase como se houvesse uma qualquer ligação uterina entre ambas. A tal que devia ser eliminada. Mas tal não passa de uma interpretação minha, provavelmente forçada. Ao lado do quadrado, 4 cadeiras, 3 suportes e um fundo negro. Aí — quase estáticas — vão aparecendo as restantes personagens. As personagens quase nunca se olham. Os diálogos são como que transformados em monólogos. No final, do fundo chegam os assassinados. Orest surge empunhando o machado que nunca lhe é entregue. A dança — não dançada — leva uma Elektra lentificada por uma porta lateral, carregando uma partitura que fecha com a sua última fala. E acaba a ópera.


A Orquestra Sinfónica Portuguesa dirigida por Leo Hussain esteve muito longe de conseguir expôr a palete cromática de Elektra, nunca soando verdadeiramente a Strauss, nem na força electrizante, nem no lirismo ou dramatismo da obra. Foi, a par com a encenação, um dos elementos mais pobres da récita. E em Elektra, esta falha é um pecado capital.

Nadja Michael foi Elektra e é a grande cabeça de cartaz da temporada do TNSC. Apresentou-se vocalmente em bom nível. Tem uma voz colossal, com enormes volume e projeção, tendo denotado, no início da récita, alguma dificuldade com os agudos que lhe saíram mais agrestes. Mas foi uma boa interpretação vocal e também cénica. É uma cantora com uma excelente presença em palco, muito física, tendo conseguido transmitir a angústia de Elektra.

Allison Oakes foi uma Crysothemis de muita qualidade vocal: tem uma voz muito grande que projetou com muita facilidade sobre a orquestra e uns agudos fáceis, ainda que por vezes com tendência para a estridência. Na verdade, um pouco como o próprio papel exige. Cenicamente, embora pouco jovial, esteve bem, sobretudo tendo em conta o pouco que lhe foi pedido pela encenadora.

Confesso que a Klytamnestra de Lioba Braun me desiludiu. Não pela forma como montou a personagem que foi muito adequada e intensa, mas pelo timbre da voz, algo nasalado, e baixo volume, o que acabou por diminuir a sua prestação.

James Rutherford foi um Orest de muito bom nível: tem uma voz madura e com um timbre bonito (a lembrar-me Bryn Terfel), tendo montado bem a personagem.

O Aegisth de Marco Alves do Santos foi de grande qualidade, tanto pela voz poderosa, como pela interpretação cénica do seu pequeno papel.

As restantes personagens estiveram globalmente bem, assim como o coro na sua pequena intervenção.

Em resumo, assistiu-se a uma Elektra com duas vozes femininas de peso que se apresentaram em bom plano, mas que pecou pela pobreza simbólica da encenação e pela por uma desinspirada e pouco cromática orquestra.

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(Review in English)

The National Theater of São Carlos in collaboration with the Cultural Center of Belém brought to the scene a new production of the opera Elektra by Richard Strauss.

It was premiered in Dresden in 1909, four years after the debut of the controversial opera Salome. The libretto by Hugo von Hofmannsthal is one of many brilliant collaborations between the librettist and the composer.

The story takes place in Mycenae in Ancient Greece. Elektra, the main character, lives torn by the death of his father Agamemnon, killed by the hands of Klytamnestra and his lover Aegisth. Her hatred is such that she lives in the hope that her missing brother Orest will return to assassinate them. She is transformed, utterly stripped of her self that merges into that of her dead father. She is nothing but hatred and revenge. And it is these hatred and desire to revenge the moto for all the action. In contrast, Chrysothemis, her sister, has a strong desire to live and fulfill her destiny as a woman, striving not to be annulled. Later, when Orest returned and his mother and lover were murdered, Elektra could finally be happy and dance, in a ritual of self-destruction, with the death that ends up taking her.

Much can be written about the psychological interpretation of the characters, especially in light of the Freudian theories that emerged at the time Elektra was composed and that undoubtedly influenced the librettist and the composer. But such reflection would give us time that we do not have at the moment.

As it is known, musically it is a controversy opera, very demanding for the orchestra that must be able to express the multiple chromatisms of the score. And it is equally demanding for the singers, with a natural highlight for Elektra, omnipresent on stage.

Beginning with the staging. It was commissioned to Nicola Raab. It is not an opera staging, but an attempt to give some staging to a concert version opera that we can summarize it as uninteresting and static. I can not praise it and I find it difficult to find a meaning or something innovative. Admittedly there is little financial resources, but this can not be an excuse.

Moving on to its description. It has a golden panel at the bottom and center of the stage. In it there is a door that opens and closes along the single act of the work. To the center and in front of the door, a wooden square slightly elevated on the stage. It is over it that, from the beginning to the end, is Elektra. She moves, sometimes on the ground, sometimes standing. There's a chair with Elektra's shoes underneath, shoes never used in any way. The square works as the inner world of Elektra. Nothing and no one enters it, except for Chrysothemis - but only when Elektra calls her to take care of the murders of Klytamnestra and Aegisth, being expelled from it for refusing to collaborate - and Orest, brother who functions as her savior. There is another transgression: when Elektra asks her mother if Orest can return home, she extends her arms and lays her head on her mother’s lap, without, however, allowing herself to be invaded or allowed to escape her agonizing inner world. With this, in addition to the ambivalence she feels, there seems to be an almost fusion relationship: when the mother arrives to tell her of her dreams, Elektra painfully contracts over herself, placing her hands on her genitals; when the mother is later murdered, it seems that she feels a pain again. Almost as if there was any uterine connection between them. The one that should be eliminated. But this is just an interpretation of mine, probably forced. Beside the square, 4 chairs, 3 stands and a black background. There - almost static - the remaining characters appear. The characters almost never look at each other. The dialogues are transformed into mere monologues. In the end, the murderers arrive from the bottom. Orest appears wielding the ax that is never given to him. The dance - not danced - takes a motor retarded Elektra by a side door, carrying a score that she closes with her last words. And the opera ends.

The Portuguese Symphony Orchestra directed by Leo Hussain was very far from being able to expose the chromatic palette of Elektra, never really sounding Strauss. It was, along with the staging, one of the poorest elements of the recital. And in Elektra, this fault is a capital sin.

Nadja Michael was Elektra and the biggest star of the TNSC’s season. She presented herself vocally on a good level. She has a colossal tremendous voice, with enormous volume and projection, having denoted, at the beginning of the recital, some difficulty with the treble that went a bit more strident. But it was a good vocal interpretation and also scenic. She is a singer with an excellent presence on stage, having managed to convey the anguish of Elektra.

Allison Oakes was a Crysothemis of very good vocal quality: she has a huge voice that she manage very easily over the orchestra and easy trebles, although sometimes with a tendency to stridency, too. In fact, a bit like the role itself requires. Cenically, although not very jovial, she was well, especially considering the little that was asked by the director.

I confess that the Klytamnestra of Lioba Braun disillusioned me. Not by the way she set the character that was appropriate and intense, but by the timbre of the voice, a bit too nasal, and low volume, which eventually diminished her performance.

James Rutherford was an Orest of very good level: he has a mature voice and a beautiful timbre (it remembers me Bryn Terfel), having set the character well.

The Aegisth by Marco Alves do Santos had great quality, both by the powerful voice he managed so well, and by the scenic interpretation of his small part.

The remaining characters were overall good, just like the chorus in his short intervention.


In summary, it was an Elektra with two great female voices in good plan. However, the production was of an extreme symbolic poverty and the orchestra was uninspired, lacking chromatic expressiveness.

sábado, 3 de fevereiro de 2018

Um Requiem alemão / Ein deutsches Requiem, Fundação Gulbenkian, Fevereiro de 2018


(text in English below)

A Fundação Gulbenkian ofereceu-nos uma das grandes obras corais do reportório alemão, o magnífico Requiem Alemão de Brahms.

A Orquestra Gulbenkian, dirigida pela maestrina Laurence Equilbey, esteve algo contida. O barítono Thomas Hampson, sem necessidade da partitura, esteve em grande nível, voz ampla de timbre bonito e bem sobre a orquestra, embora no registo mais agudo perdesse alguma pujança. A soprano Miah Persson tem uma voz e uma intervenção pequenas, mas não destoou. O Coro Gulbenkian esteve ao mais alto nível e foi o melhor da noite.



Na primeira parte do concerto ouviram-se canções bíblicas de A. Dvorak, cantadas por Thomas Hampson. Confesso que, para mim, não foram uma mais valia para o concerto.



O comportamento do público foi, mais uma vez, deplorável! Tocaram telemóveis durante todo o concerto. E o que não consigo perceber é a necessidade compulsiva de tossir ruidosamente, quer durante o concerto, quer nos intervalos entre andamentos. Dando de barato que a maioria dos que tossem não têm tuberculose activa nem outras infecções pulmonares graves, talvez os psiquiatras saibam explicar este comportamento, que não se vê noutras latitudes onde o Inverno é bem mais rigoroso!

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Ein deutsches Requiem, Fundação Gulbenkian, February 2018

The Fundação Gulbenkian offered us one of the great choral works of the German repertoire, Brahms' magnificent Ein deutsches Requiem.

The Gulbenkian Orchestra, directed by Laurence Equilbey, was somewhat restrained. Baritone Thomas Hampson, without the need for the score, was on a top level, with a beautiful voice over the orchestra, although in the higher register he lost some strength. Soprano Miah Persson has a small voice and a small participation, but she was ok. The Gulbenkian Choir was at the highest level and was the best of the night.

In the first part of the concert we heard biblical songs by A. Dvorak, sung by Thomas Hampson. I confess that for me they were not an asset to the concert.

The behavior of the public was, once again, deplorable! Cell phones were heard throughout the concert. And what I cannot understand is the compulsive need to cough noisily, both during the concert and between breaks. Admitting that most of those who cough do not have active tuberculosis or other serious pulmonary infections, psychiatrists may be able to explain this behavior, which is not seen in other latitudes where the Winter is much more rigorous!


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